Comunicado y conferencia de prensa sobre la exposición de Fernando Biderbost

Les recordamos que en el Ateneo Español de México celebraremos una conferencia de prensa el día martes 22 de mayo del 2012

Por primera vez en México, la propuesta metafísica de Fernando Biberbost

** La mente de Biderbost es un alarde de ingenio desparramado

**El pintor vasco intenta crear un espacio donde el pensamiento pueda expandirse, donde el encuentro con lo mágico sea posible, y que podrá ser captado en Casa Galería

México D.F. a de mayo de 2012.-Llega a México por primera vez, el pintor vasco Fernando Biderbost, quien presentará su trabajo en Casa Galería, espacio de arte multidisciplinario a cargo del artista plástico Gorka Larrañaga. Del 26 de mayo al 10 de junio, los espectadores mexicanos podrán conocer el trabajo de uno de los artistas más importantes de la pintura reciente en el País Vasco.

Fernando Biderbost, artista originario de Bilbao, llega a México D. F. de la mano de Gorka Larrañaga como parte del trabajo que se ha venido gestando en Casa Galería.

Biderbost, es un creador que, desde el sentimiento, la subjetividad de la repentización y las sensaciones del proceso, ha sabido acumular conocimiento. Un modo de vencer el paso del tiempo con el que desarrolla un personal universo abstracto…”, declaró Xabier Sáenz de Gorbea acerca del trabajo de Fernando Biderbost.

Fernando Biderbost nació en Bilbao en 1955, desde sus inicios con el grupo El Desván (en los 70) su trayectoria ha sido la que ha sido su vida, una expresión “especular y especulativa”; nunca podrá ser “espectacular” porque Biderbost ha optado por aquel tipo de arte que supone un acercamiento a la realidad compleja, a “su” realidad, un tipo de arte (de hacer) que se convierte en método de conocimiento.

La obra de Biderbost parece emprender una recuperación de los valores preceptivos de la figuración, por medios abstractos. Muchos de sus cuadros disponen algo parecido a figuras en algo parecido a un horizonte, sin que estén del todo ante ninguna de ambas cosas.

El artista niega al espectador los asideros que guiarían su lectura de un modo canónico y así alcanza a poner en crisis la percepción misma. Críticos y especialistas en arte como Jaime Cuenca, Edorta Kortadi, José Luis Merino, Alicia Fernández, Javier Urquijo, A. Rodriguez Bornaetxea, entre otros, coinciden en que el trabajo de Fernando Biderbost es sutil, evanescente, rico y sugerente, para el ojo y los sentidos.

Para el autor “El logro de un cuadro se produce, sobre todo, cuando es capaz de fabricar su propia atmósfera, lo que hace su unidad interna, que significa fabricar su independencia. Cortar los hilos que te unían a él mientras lo pintabas. Su automatismo. Pero resulta complejo saber cuando se produce”, destaca.

En su pintura utiliza las técnicas mixtas: el óleo y el gouache, el lápiz y el bolígrafo, la mancha y la pasta seca, todo en uno y al unísono, hasta lograr la sinfonía deseada,

Se trata de obras inscritas en reducidos formatos, donde la grafía se manifiesta con acuciosa gracilidad y certero tino. El segundo supuesto corresponde a los grandes formatos, cuya estructura es sumamente compleja.

Su carrera es una carrera autodidacta e independiente, que transcurre en solitario sorteando los obstáculos de su propio discurso, rico y abundante. Su trabajo se aísla de las corrientes de pensamiento imperantes en el arte actual y se convierte en la expresión personal de indefinidos impulsos interiores.

Lo conceptual, lo gestual y lo metafórico se entrecruzan en la pintura de Fernando Biderbost, sin concesión alguna al ilusionismo, a la arbitrariedad.

Afirmaciones del artista sobre México, sobre la pintura.

No sé si mis cuadros podrán producir sensaciones a los observadores mexicanos. Yo sí puedo adelantar que México siempre ha estado produciéndolas en mi, aún sin conocer éste país. Pero literatura, imágenes, fotografías, películas, arqueología, historia, leyendas y mitos… de éste pueblo, han rondado en mí desde niño. Una nación mágica; tal es la idea que está generalizada en mi país. Buñuel me acercó al alma y al enigma mexicano. André Breton y otros surrealistas consideraban México un país surrealista. Y los mexicanos pasan por coloristas, vitales y además miran a la muerte con naturalidad. Quizás sean tópicos, seguramente éste país es eso y millones de cosas más. Ahora tengo la ocasión de abrazar éste onírico territorio con el que empecé a soñar desde que Marlon Brando interpretó para el cine a Emiliano Zapata. La cultura Maya, Olmeca y otras, Juan Rulfo, Siqueiros, Diego Rivera, Frida Kahlo, Orozco, Tamayo, Leonora Carrington, Octavio Paz, Gerzso… demasiada potencia como para no recibir ecos e influencias del país Azteca.

Las reflexiones que vienen a continuación son, seleccionadas y resumidas, el producto de varias entrevistas por escrito que me hizo el crítico de arte y escritor Jose Luis Merino. Yo no soy dado a hablar ni a explicar. El me obligaba con sus preguntas y así me ha hecho escribir cosas que ni yo imaginaba que pensaba. Las he traído a México, con motivo de mi exposición en Casa Galería, a modo de presentación de mi obra:

– Todos los días salen las cosas mal. Es cuestión de rectificar. Es cuestión de enfangarse desde dentro hasta que se desarrolla la pintura en términos vamos a decir exactos. Exactos en cuanto que ves que el cuadro ya no tiene más camino. Ni más rectificación. En cuanto que el cuadro ha adquirido el carácter de autónomo.

– Las primeras pinceladas son los primeros machetazos para adentrarse en la selva; léase en la pintura. Esa selvaque es la percepción, la alucinación, los procesos psicológicos, la realidad mental… la pintura como una selva a la que no se trata de domesticar, sino de que podamos visualizarla. Que adquiera su propia libertad. Entendida ésta como su propia realidad.

– Se pinta para la pintura. Ese es el único observador al que hago caso. Y en toda la pintura universal hay como una trabazón, como una galaxia en la que entran desde las pinturas de Altamira, el Renacimiento italiano, el Barroco, el cubismo…

– Velázquez me enseña que es a través del aire, ese aire “real” y no ilustrativo, donde toda pintura, dibujo, mancha, etc. tiene cabida. Esta libertad también depende de otra enseñanza de Velázquez:  El distanciamiento hacia la obra. Sin el distanciamiento no habrá libertad, sino amarre y dependencia. Obsérvese cómo en Las Meninas el tema carece de importancia. Pero el “tema” evidente es el espacio aéreo. Y con eso ha pintado la “teología” de la pintura. En el aire, en la luz, y no en el color está el medio de transporte de la pintura. Su libertad y su autodeterminación. El color, para a ser efectivo, ha de volar y no hay vuelo sin aire. Velázquez enseña que no hay pintura sin atmósfera propia. Claro que también enseña que el color está al servicio de la luz y sobre todo enseña a ver y a mirar  la realidad. Velázquez te cuenta que el espacio de la pintura es la luz, no la tela sobre el bastidor.

– Con los colores me sucede que escasean. Es decir me parece que hay pocos. Pero en cambio de cada color existen casi infinitos resultados. Muchas variaciones, muchos matices. Esta es la acción de la luz.

– Una vez terminado un cuadro no me interesa mucho el proceso que ha llevado. Sólo el resultado me interesa. Porque durante su desarrollo, has experimentado muchas impotencias y fracasos. Porque pintar es fracasar. Y la sensación es de que el cuadro en un momento determinado te abandona. Ya no te pertenece.

– La mano y la cabeza caminan juntas. Pero muchas veces se separan. A veces ésto es bueno y otras es nefasto. Y aquí entra en juego el instinto. Es el aglutinador. Todo ésto produce sensibilidad. Algunas veces produce pintura.

– Trato de manejar los colores sin prejuicios. Y aquí dejo al instinto que haga la labor. Pero hay muchas cosas que no son controladas ni por el instinto, ni por el cerebro ni por nada. Está el hecho mecánico. El movimiento. El hombre está condicionado por múltiples factores. El color es uno de ellos. Pero muchas veces actúo como un vómito: Incontrolado. Después de vomitar tengo que coger los restos del vómito y comenzar un puzzle con ellos. La cabeza mete mano para convertir aquello en pintura.

– Los logros no son culminantes. Pues dejaría de pintar. Lo que sí hay es la sensación de no soltarla presa. Hasta que ésta se escapa. ¿Hacia donde? Hacia su propia realidad.

– La realidad es múltiple. La realidad plástica también. Quizás actúe como un director de orquesta. Aglutinando los colores, el dibujo y las formas a través de la luz. La cuestión es acertar en la luz que cada cuadro necesite. Siempre distinta e intransferible.

– En un momento dado el cuadro te abandona. Y ese desamparo te hace buscar el cobijo de otro cuadro.El inacabamiento va a producir más cuadros.

– Yo no creo en el tiempo. Eso es una convención. Sólo existe el movimiento. Entonces se puede apuntar al movimiento como el causante del caos pero también del orden. Jamás de la estabilidad.

– Todos los días escucho el sonido de los colores. A través de los dedos y de los ojos. Pero es inexplicable. El ojo escucha y los oídos miran. Pero ver…  sólo por los ojos.

– Se puede pintar lo que se desconoce. Del mismo modo que se puede ver lo que nunca se percibió: Forzando el instinto alucinatorio. Freud dejó escrito que “el pensamiento es el sustituto del deseo alucinatorio”.

– Mis dibujos son pintura. No diferencio. Me refiero a los dibujos que van dentro de una pintura.Los dibujos específicos dan una libertad inmediata y ágil. La pintura es una libertad pesada, lenta. Más potente.

– Los dibujos son conclusivos. Netos. No tienen por qué aspirar a algo que intentan precisamente eludir: La complejidad de lo plástico. El dibujo es directo y va directamente a la sensibilidad del ojo y de la imaginación. Produce imaginación.

– Yo nunca hago bocetos para mis cuadros. No uso dibujos para tramar un cuadro. Por eso no los considero conceptos que me valgan para pintar. Son independientes. Siempre están abiertos y jamás fijan el camino. Y ésto es así porque todas mis pinturas son improvisaciones. Improvisaciones que pueden durar tres meses, o tres días. Son improvisaciones lentas.

– Lo que queda grabado, pintado, etc. siempre es un hecho antinatura. Lo natural es moverse. De ahí que lo que logramos paralizar para siempre mediante el arte  tenga algo de mágico.

– Cada cuadro, cada dibujo siempre está abierto a muchas posibilidades. El pintor ha de estar muy atento a lo que sucede con su obra. Para captar cualquier resquicio de posibilidad. Porque los dibujos y las pinturas son posibilidades que fabrican más posibilidades.

– Mis dibujos casi siempre son automáticos. Cuando no lo son, acaban automáticos. Aquí no tengo elección. El dibujo es una fuerza que no puedo controlar. Creo que mis dibujos son pura imaginación. Sin intermediarios.

– El dibujo es el pájaro que deja el suelo. Pero para estar con las nubes necesitas el artificio de un avión y aún el de un cohete para llegar a la luna.

– El artificio es el camino. No me gusta pensar que el arte y la naturaleza van de la mano. Si no se parte de la realidad del arte como artificio estamos avanzando por un camino yermo.

– El dibujo sería las patas del pájaro. La pintura, sus alas. Ningún pájaro sobreviviría sin alguna de estas dos herramientas. Con una corre y con la otra vuela.

– Creo que hay que estar en medio de la tormenta. Tal que un buceador ha de estar en medio del mar. Pero lo más adecuado es trabajar desde varios puntos de vista. Ahí hay una clave de acercamiento a la realidad.

– El artista y las cosas desaparecen en cuanto hace acto de presencia la pintura.

– Cada obra absorbe la vida, la experiencia del pintor. Pero la finalidad de la obra no debe versar  sobre  la vida del pintor si queremos que la obra sea autónoma, cual es mi propósito. A la pintura no le sobra el “yo” del pintor, pero sí que el fin de la obra sea la expresión consciente de éste.

– Hago arte para que la pintura se escape pues en ese escapar el universo se está expandiendo. Y al fin y al cabo el cerebro del hombre es el universo en expansión. Así mismo las hojas del árbol estiran a la tierra para que ésta perciba la luz del sol profundamente.

– La belleza es una revelación psíquica. Cuando la revelación es colectiva, pertenece al ámbito cultural y costumbrista, aceptada. En cambio, son acciones individuales las que hacen girar los cánones de belleza. De todos modos la belleza se me antoja un concepto ornamental, limitado. Todo es bello. Nada es bello. La basura es bella. El abismo es una fuente de conocimiento. ¿Es bello el conocimiento?.

– El arte está en el tiempo. En su tiempo. Pero los grandes cuadros siguen pesando con una potencia plástica casi misteriosa. “Las Meninas”, “Las señoritas de Avignon” o “El grito”, son tres ejemplos. Goya, Klee, Óscar Domínguez, El Bosco, De Kooning, Chardin, Rothko, Wols, Tatlin, Oteiza… son cuchillos que atraviesan el tiempo.

– La alta cotización es la cabeza visible del mundo del arte. El mundo es jerárquico a imagen y semejanza del Vaticano.

– Lo genuino es el pájaro. A éste ¿Qué le importa el arte? Es al arte al que le importa el pájaro.

– Lo que yo pretendo no es expresar sensaciones. Lo que deseo es producirlas. Para lo cual es conveniente huir de uno mismo.

– El arte siempre tiene algo de turbador. Pero explicar lo que significa para uno es un imposible. La pintura no tiene una tensión literaria. Es decir, transcribirlo a palabras es el fracaso.

– El arte graba una porción muy pequeña de tiempo y lo convierte en intensidad. Con lo cual, la intensidad de una obra de arte depende de las sucesivas miradas de los observadores temporales en cada momento.

– La pintura es sobre todo ver y mirar. No importa las cosas que veas. Lo que importa es mirarlas. Con un ojo telescópico y con otro microscópico a la vez.

– No existe la esencia. Ni a la naturaleza ni al hombre le corresponde ser esencial. Es un concepto. Como el de caos para denominar un orden que no nos interesa . La esencia, el éter, lo sublime, no está en nuestras manos. Sólo en nuestra intuición. En nuestra imaginación.

– Coloco los colores de forma muy instintiva. Muy familiarmente. Ni siquiera pongo nombre a los colores. Tengo con ellos una relación exclusivamente visual e inmediata.

Fernando Biderbost – Bilbao, Mayo de 2012

Palabras de Angelina Muñiz-Huberman y Carmen Tagüeña al recibir la condecoración de la Orden de Isabel la Católica de España

ORDEN DE ISABEL LA CATÓLICA, ENCOMIENDA

(5 marzo 2012)

Angelina Muñiz-Huberman

Es un honor recibir la Orden de Isabel de Castilla en grado de encomienda. Me pregunto por qué la recibo. A lo largo de mis libros y de mis clases he procurado mantener un equilibrio entre mis antecedentes sefardíes, el exilio de la guerra civil española y mi vida entera en México desde la infancia. Equilibrio difícil, pero que supe mantener. Ahora, otro acto de equilibrio es recibir esta honrosa condecoración.

Me vuelvo a preguntar, ¿por qué a alguien descendiente de los sefardíes expulsados por esta reina se le otorga su medalla? Y recuerdo la historia de Sefarad en la Edad Media con su esmerada cultura judía y el amor por la lengua española. Los poetas, los filósofos, los médicos, los astrónomos, los traductores, todos ellos se elevaron a un punto cimero difícil de igualar. Recuerdo también el dolor de la expulsión o de la doble vida de aquellos pensadores que tuvieron que desarrollarse fuera de su querida patria y que enriquecieron la cultura de otros países: Juan Luis Vives, Antonio Enríquez Gómez, Baruj Spinoza, León Hebreo. Porque para los sefardíes, luego de catorce siglos de permanencia en ella, España fue y siguió siendo su verdadera tierra. Prueba de ello es haber conservado hasta nuestros días la lengua de 1492, en la que Fernando de Rojas, converso, escribió La Celestina o tragicomedia de Calixto y Melibea.

La lengua que se multiplicó en jarchas, romances, canciones, refranes, cantos de boda, cantos de muerte, tratados de ética y, según avanzaba el tiempo, novelas, obras de teatro, enciclopedias y todo género literario.

Así, la lengua se convirtió en otra patria, ideal, cadenciosa, sin maldades ni persecuciones. Lengua que heredé y quise unir la historia de los pueblos cuando mi familia salió al exilio no en 1492, sino en 1939 por la guerra civil. Una familia milenaria bajo la sombra de los exilios.

Como ciclo que se cierra hoy, en la tierra mexicana, es un acto conciliatorio recibir esta condecoración. Sólo me queda repetir un poema anónimo de los sefardíes en el destierro, en la que he llamado lengua florida:

A ti lingua santa,

a ti te adoro,

más que toda plata,

más que todo oro.

Tú sos la más linda

de todo lenguaje,

a ti dan las ciencias

todo el avantage.

Con ti nos rogamos

al Dio de la altura,

Padrón del universo

y de la natura.

Si mi pueblo santo

él fue captivado

con ti mi querida

él fue consolado.

Palabras de Carmen Tagüeña Parga

Muy buenas noches a todos.

Es para mi un alto honor recibir esta distinción otorgada por el Estado Español que acepto con mucho agradecimiento aún reconociendo, que seguramente hay muchas personas más merecedoras de la misma.

De acuerdo a la amable carta del Sr. Embajador la recibo en “atención a los méritos y circunstancias que concurren en mi persona”.

En ese orden de ideas, si reviso mi vida me han guiado el amor a mi familia y amigos y dos sentimientos muy dominantes. Un enorme amor y agradecimiento a México y un no menor amor apasionado y nostálgico por España, la patria de mis padres y que no pude tener. Por cierto, que antes de conocerla por vez primera al cruzar la frontera desde Francia, no pude dormir de la emoción.

Desde que pisé la facultad de Ciencias de la UNAM descubrí este país y he dedicado mi vida profesional, todos mis esfuerzos, a distintos aspectos siempre relacionados con la educación y la cultura, que ha sido mi tributo personal a México, la patria de adopción. Soy una “mexicana del Norte”, en honor a mi lugar de nacimiento, y como tal he trabajado con mucho empeño.

Me acerqué al Ateneo por amor a mis padres y a España y he sido muy recompensada en presidirlo ahora que estamos viviendo una nueva etapa en la que contamos con el apoyo de la Embajada, la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) y, en general, del Gobierno Español.

Tenemos una sede digna, por primera vez nuestros acervos están totalmente catalogados y se han establecido muchas relaciones institucionales que han permitido plantear nuevos proyectos. El Ateneo ha sido y es un centro de encuentro, comunicación, preservación y difusión del legado del exilio español en México.

Además, la enorme importancia del Ateneo se basa en el gran repositorio de registros históricos, logrados por el esfuerzo de muchas mesas directivas que nos precedieron, por sus socios y donadores, que son en un acervo imprescindible y único para que los investigadores de diversas latitudes puedan explorar, comprender y dar a conocer la compleja historia de los republicanos españoles en el tránsito de la derrota al éxodo y su desarrollo ulterior.

El Ateneo, es la memoria histórica del Exilio y no es solamente una mirada al pasado, es una mirada al futuro para las nuevas generaciones de españoles a los que permite vislumbrar una parte de la historia de España que no aprendieron en las aulas, no solamente en su un lado trágico que es imprescindible conocer para no repetir lo sucedido, sino en todos los demás aspectos luminosos, sobre todo los relacionados con el desarrollo de la cultura, de los que pueden sentirse orgullosos.

Dado que las migraciones, los exilios y la violación de derechos humanos sigue siendo una constante del mundo en el que vivimos para los jóvenes españoles y mexicanos los acervos del Ateneo pueden servir de referencia y punto de partida para las investigaciones y toma de conciencia para enfrentar los problemas actuales.

Por último quisiera felicitar a mis compañeros condecorados y agradecer de una manera muy especial el apoyo generoso y solidario de la Embajada de España en México, a sus funcionarios, y muy especialmente al Señor embajador. A mi familia y amigos algunos de ellos de la Mesa Directiva del Ateneo gracias por acompañarme y ayudarme durante tantos años y a todos por estar hoy conmigo una vez más. Muchas gracias.

Homenaje póstumo al Dr. Carlos Vélez en el Ateneo Español de México

El martes 24 de enero, con motivo de la muerte del Dr. Carlos Vélez Ocón, el Ateneo Español de México abrió sus puertas para que amigos le dieran el pésame a la familia de quien fue presidente emérito del Ateneo y presidente del PSOE en México. Conformé se abrieron las puertas, el lugar se llenó de personas cercanas y que admiraron su labor. Se dieron algunos discursos sobre su persona y se firmó un libro para que la familia tuviera el recuerdo cariñoso de las personas que asistieron al evento. Así, le dijeron adiós al ilustre Dr. Carlos Vélez Ocón.


Nota en La Jornada sobre homenaje a Elvira Gascón

Rinden homenaje a Elvira Gascón, una de las pocas artistas del exilio

El Ateneo Español de México presenta exposición con 378 trabajos de la pintora

El espíritu de su obra se centró en tres temas: el erotismo, la religión y la estética helénica.

La muestra sólo incluye retratos de hombres, reprocha Angelina Muñiz-Huberman

Carlos Paul

Periódico La Jornada

Sábado 14 de enero de 2012, p. 5

Rendir homenaje a las mujeres antifranquistas y reivindicar su papel dentro de la memoria histórica republicana fue la temática de la mesa redonda desarrollada alrededor de la estética de Elvira Gascón, el pasado jueves, en el contexto de la exposición Pequeños retratos/ grandes personajes, que reúne obras de la artista. La muestra, que se presenta en la sede del Ateneo Español de México y el Centro de Estudios de Migración y Exilios de la UNED, reúne la vasta producción retratística de Gascón, alrededor de 378 trabajos, cuyos protagonistas fueron los intelectuales, escritores, filósofos, músicos y humanistas más importantes de su época y del exilio. Durante el exilio español, en 1939, la pintora republicana arribó a México, donde adquirió relevancia. Elvira Gascón realizó pinturas murales y al óleo, esmaltes, grabados, carteles, folletos y programas; ilustró artículos en periódicos y más de 210 libros de reconocidos escritores publicados por el Fondo de Cultura Económica. De acuerdo con la crítica de arte Angustias Freijo, el dibujo con referencias historicistas fue lo que más desarrolló Elvira Gascón.

 Rareza y poética

 La exposición Pequeños retratos/grandes personajes reúne obras creadas con diferentes técnicas de dibujo, como la línea, la tinta sobre papel, la aguada y el esgrafiado, que Elvira Gascón utilizó para retratar a Ramón del Valle Inclán, Benito Pérez Galdós, Federico García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Vicente Aleixandre, León Felipe, Max Aub, Luis Cernuda, Ramón Xirau, Pablo Casals y quien fue su esposo, el arquitecto Roberto Fernández Balbuena, también parte del exilio.

 Durante el debate, Guadalupe Fernández Gascón, hija de la pintora, leyó un texto de Angustias Freijo, en el que la crítica de arte recordó que Elvira Gascón tenía 28 años cuando llegó a México, como una de las pocas mujeres artistas del exilio español. Siempre dibujó muchísimo como parte de todos sus trabajos, como disciplina y como punto de partida de su estética; influida por las vanguardias y del México de la época. El espíritu de su obra se centró en tres temas claves: el erotismo, la religión y la estética helénica.

 Elvira Gascón (1911-2000) Foto de Luis Miguel Vargas Contreras

 Retrato de Federico García Lorca hecho por Elvira Gascón incluido en la exposición de la artista española que se presenta en la sede del Ateneo Español. Foto Luis Miguel Vargas Contreras

Retrato de Benito Pérez Galdós hecho por Elvira Gascón. Foto Luis Miguel Vargas Contreras

 

Retrato de Ramón del Valle Inclán hecho por Elvira Gascón. Foto Luis Miguel Vargas Contreras

El investigador Mauricio Ramírez, en amplia ponencia sobre la vida y la obra de la pintora, destacó el trabajo muralístico que Gascón realizó en el templo de San Francisco, en Zongolica, Veracruz. Por su parte, el poeta y editor José María Espinasa resaltó la rareza y la poética que caracterizan los dibujos y retratos realizados por Gascón a destacados escritores de su época. Tal es el don que tiene la pintora al dibujar los rostros, que sus retratos son una manera de empezar a leer esos autores. Luego de que el arquitecto Juan Ignacio del Cueto habló sobre la arquitectura española en el exilio, y destacó los murales realizados por la pintora en la iglesia de San Antonio de Padua, ubicada en San Cosme, la escritora y poeta Angelina Muñiz-Huberman subrayó, entre otros puntos, el trabajo que reúne Gascón en su libro 100 dibujos, publicado en 1972 por la editorial Siglo XXI, en el que –apuntó la narradora– “la simplicidad del dibujo, la compenetración con la leyenda y el misticismo se resumió en una de las facetas más puras del erotismo. Un erotismo pleno, vital, en la joie de vivre. Donde sagrado y profano son uno mismo. Donde el sentido del humor no se pierde”. Luego de llamar la atención de que en la muestra no se incluyó el retrato de ninguna mujer y recordar los extraordinarios dibujos de Sor Juana Inés de la Cruz realizados por Gascón, Muñiz-Huberman resaltó “el talento y la mano hábil de Elvira Gascón, siempre en el perpetuum mobile, siempre dispuesta al trazo que vuela”.

 La exposición Pequeños retratos/grandes personajes, se presenta en el Ateneo Español de México (Hamburgo 6, esquina Berlín, colonia Juárez).

Presentación del poemario Continuo Mudar

Presentación del poemario “Continuo mudar”,

de

 Luis María Marina 

en el Ateneo Español de México

 25 de octubre del 2011 a las 19:00 horas

 Presentarán el libro el poeta José Ángel Leyva y el autor

Luis María Marina Bravo es poeta y diplomático. Nació en Cáceres (España), el 15 de julio de 1978. Licenciado en Derecho por la Universidad de Extremadura. Ha estado destinado en la Embajada de España en México y, actualmente, es Consejero político de la Embajada de España en Lisboa. Ha publicado los poemarios Lo que los dioses aman (El Tucán de Virginia, México, 2008) y Continuo mudar(Editora Regional de Extremadura, Mérida, 2011). Sus poemas han aparecido en diversas revistas en México y España (Periódico de Poesía de la UNAMEl PerroShandyAntaria) así como en las antologías Hacedores de palabrasen homenaje a José Emilio Pacheco (Fondo Editorial Cantera Verde, Oaxaca, 2009), Entre esta aguas. Poetas del Mundo Latino 2009 (Universidad de Nuevo León, 2010), la antología hispano-chipriota άύριο/Mañana/Tomorrow (παράκεντρο, 2010) y Campos magnéticos. Veinte poetas españoles para el siglo XXI (La Otra Libros, México, 2011). Ha colaborado con La Jornada Semanal y colabora con La Otra y la Revista UIC (Universidad Intercontinental de México).


Presentación del libro Nuevas Raíces

Como parte de las Jornadas de Mujeres Republicanas, el Ateneo Español de México presentó el pasado jueves 20 de octubre el libro Nuevas Raíces: testimonios de mujeres republicanas en el exilio. Contó con la presencia de Leonor Sarmiento y Carmen Romero de Rayo, dos de las autoras que dan su testimonio dentro del libro. Las acompañaron, Carmen Tagüeña Parga, Presidenta del Ateneo Español de México y familiares de algunas autoras.

El Ateneo Español de México en la FIL del Zócalo, museo del estanquillo

Cada año, la Feria Internacional del Libro del Zócalo Capitalino de la Ciudad de México rinde homenaje a algún personaje o época, en esta ocasión se rindió homenaje a la Segunda República Española y al poeta Federico García Lorca. El Ateneo Español de México participó con una serie de ponencias y lecturas, así como presentaciones, diálogos y conferencias. La primera sede donde el Ateneo Español de México participó, fue la terraza del museo del estanquillo:

 

Mesa: Lectura de poesía, resonancias entre poetas actuales y poetas de las generaciones del 98 y el 27
De izquierda a derecha: Mariana Orantes, Antonio Deltoro, Xhevdet Bajraj, Francisco Segovia

Los archivos responden si les sabes preguntar

El primer seminario de investigaciones, permitió que investigadores jóvenes que trabajan en diferentes archivos pudieran comunicarse entre ellos, mostrando su trabajo y compartiendo ideas. De igual forma, al contar con una variedad de asistentes provenientes de otros archivos y universidades, el diálogo se enriqueció con las preguntas formuladas.

De izquierda a derecha: Karla Carolina Vázquez, Diana Marisol Orozco, Guadalupe Adámez Castro, Erandi Mejía, Mariana Orantes.

 

 

 

 

 

 

Hablaremos de esto dentro de cien años

El día jueves 13 de octubre se presentó el documental Hablaremos de esto dentro de cine años (2010). Guión de Juan Pérez de Ayala, música de Juan Manuel Artero y dirección de Rafael Zarza. El documental conmemora el centenario de uno de los símbolos pedagógicos más singulares y legendarios de la historia de España, la Residencia de Estudiantes. Hablaremos de esto dentro de cien años incluye imágenes inéditas y poco conocidas de este símbolo de la cultura y la pedagogía, heredera de la Institución Libre de Enseñanza. Incluye un poema inédito de Unamuno o una entrevista con Rafael Alberti en Roma, en los años cincuenta, recién llegado de Argentina.

Mujeres Republicanas

Mujeres Republicanas de Javi Larrauri

Javi Larrauri inició este proyecto en otoño de 2009 investigando el papel de las mujeres en la defensa de la segunda república con el objetivo de retratar a aquéllas que hubieran participado en la Guerra Civil. Tras localizar a varias de estas mujeres y reunirse con ellas para conocer sus historias en primera persona, el artista decidió acompañar cada retrato de una breve biografía y grabar en video sus testimonios. El objetivo del artista es rendir homenaje a las luchadoras antifranquistas y reivindicar su papel dentro de la memoria histórica republicana. La labor de estas mujeres no puede quedar eclipsada por una Historia que se escribe en masculino, ha definido Larrauri, quien ha destacado la sabiduría y la belleza de la vejez de las protagonistas de la muestra. Quería hacer una reivindicación de la mujer anciana en estos tiempos en que la juventud está tan injustamente sobrevalorada, ha declarado el artista, preocupado por difundir los testimonios de la última generación viva de mujeres que defendieron la segunda República.

El evento tuvo lugar en el Ateneo Español de México. Durante cada jueves del mes de octubre, se realizaron actividades para conmemorar a éstas luchadoras social, reivindicando su posición olvidada.